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一，美声的定义

歌剧演唱起源于17、18世纪的意大利，强调自由、纯粹、流畅的发声和灵活、准确的发声技巧。

根据字义，“美声”意为优美的唱腔，有优美歌曲的意思。它不仅是一种发声方法，也是一种演唱风格和一个声乐学派，所以通常可以翻译成美声和美声学派。

美声唱法区别于其他唱法的一个特点是，采用了比其他唱法喉头位置更低的发声方法，从而产生明亮、丰满、宽松、圆润的音质，具有金属般的色彩和丰富的共鸣；其次，讲究句法连贯，声线灵活，刚柔并济，以柔为主的演唱风格。

美声唱法的创始人卡奇尼在《新音乐》的序言中介绍了这种唱法。然后18世纪的P.F .托西和g .曼奇尼，19世纪的f .兰珀蒂和m .加西亚都著书详细阐述。美声唱法在演唱技巧上有以下特点：

呼吸需要充分的呼吸支持和灵活的呼吸控制能力。所以排除抽泣时的锁骨呼吸法和胸部呼吸法，提倡胸腹混合型的横膈膜呼吸法。美声唱法的座右铭是“谁知道如何呼吸和发音，谁就知道如何唱歌”。正确的呼吸方法是发声的基础。

美声学派把轻松、明快、准确、圆润的起音作为纠正发音的关键，是调整气息和喉咙状态、集中共鸣的最基本手段。有两种攻击：软攻击和硬攻击。初学者应该以练习软攻为主。跳跃也是一项非常有用的运动。实际上是一系列的攻击，有利于呼吸支持的锻炼，喉头的积极配合，集中声音的共鸣。一个好的开头音应该是用最少的消耗达到最大的效果。在良好的起步基础上歌唱，可以使声音富有弹性和持久性，节省声带和体力消耗，延长歌唱寿命。

声区的统一是美声歌唱训练的试金石。美声唱法中实现声区统一的主要途径有：强调各声区的“过渡音”，即在唱升音阶时，用下一声区的特点(即虚、假、暗)略唱上一声区的后三个半音；唱降音阶时，从高音区降下来的最后三个半音，要用低音区的特点(即更坚实、更真实、更明亮)稍微唱一下。这种逐渐的量化过渡可以避免从一个音区突然转变到另一个音区而产生的爆裂声。

声音连贯性是气息流畅、喉头稳定、共鸣良好的体现，也是美声唱法中优美旋律线条的主要特征。打破声音连贯性的原因有很多：起音不准，滑音滥用；声区不均匀，音量忽大忽小，音色忽明忽暗，或有裂音；呼吸控制不好，呼吸紧张；元音共鸣部分的不统一【尤其是“窄”元音(即E)和“宽”元音(A，O，U)之间的不统一】等。都影响声音的连贯性。声音的连贯首先是元音之间的连贯。不连贯，不统一，或者说“白音”的原因之一就是用元音发音的部分(尤其是在高音区)来唱元音。

音量美声学派注重追求醇厚、明亮、优美、抒情的音质。它的座右铭是“追求音质，音量自然来”。它非常重视对单个音调上渐强渐弱的控制能力的训练，既训练呼吸控制和音量变化的能力，又使声音松驰而富有弹性，音色多变，从而丰富艺术表现力，促进声区的统一。声音的渐弱主要是由气息控制的，也就是音量的变化要靠呼吸来调节，而不是喉部肌肉。用气息支撑的柔和音调唱高音，也是获得“头声”的好方法之一。

通过练习快速灵活的音阶、琶音、跃动或装饰音，或运用色彩丰富的片段，训练演唱者声音的灵活性和柔韧性，是美声学校教学中的重要内容。能促进嗓音的放松和青春活力，有利于延长歌唱寿命。

明亮、丰富、醇厚的音质，带有金属的色彩和共鸣，是美声唱法的特点之一。人们常常从音质上来检验学校的合法性。好的音质是良好的声带闭合、适度的气息冲击、适度的喉头低位、适度的软腭上抬、积极而不僵硬紧张的咽喉部肌肉协调、正确的舌位、松弛的下巴和口型、自然优美的歌唱心理状态等因素综合协调的产物。理想的音质是明亮圆润，强劲轻松，称为“明暗”。

颤抖唱法中正常的颤抖应该是每秒6 ~ 7次。太快或太慢都会破坏声音的连贯性或造成不愉快的音质。过于缓慢的颤抖，也称声音的“颤抖”，是由于喉压过低，过分追求声音的“深度”或音量过大而引起的；过快的颤抖，也称“破音”(也称“羊音”)，是由于下颌肌肉紧张，过分追求亮度甚至“白音”而引起的。歌唱中颤抖的速度与歌曲的内容和情绪有关。激动时更快，安静时更慢更稳，也是一种强大的艺术表现。四个世纪以来，美声唱法的演唱风格和技巧随着时代和作品的发展而发展，至今仍然流行。

美声唱法是人类声乐史上最重要的发展路线。美声应该翻译成“美丽的歌唱”，在中国一般翻译成“美声”。《格罗夫音乐词典》，《牛津音乐词典》和《辞海》都用自己的方法从各个角度对此进行了解释。055-79000说：“美声唱法是一种唱法，起源于17世纪的意大利。其特点是音乐优美，发音自由，音间衔接流畅均匀，花腔装饰性乐句流畅灵活”。美声唱法从产生到现在经历了数百年的发展，有着深刻的内涵。它不仅是一种科学的发声方法，而且代表了歌剧发展中的一个重要的历史时代，一种音乐风格和演唱风格。同时也是一种贯穿标准化演唱技巧的声乐训练方法。所以也可以算是“美声学派”。美声唱法作为一种科学的声乐流派，产生并经历了历史的考验，才逐渐形成了完整的、系统的、科学的发声方法和演唱风格。美声唱法的诞生有各种各样的原因和前提条件。

四。美声唱法历史

1.圣咏音乐是美声唱法的萌芽。美声唱法起源于欧洲。它的出现不仅与欧洲音乐的发展密切相关，也是人类文化意识形态的一部分，更是社会和时代发展的产物。13世纪以前的欧洲音乐都是单声部音乐，其中古希腊的声乐以单声部音乐为主，以严格的诗性节奏为主，以独唱、合唱、主唱、说唱、演唱为演唱形式。这一时期产生了《辞海》、《荷马史诗》、《伊利亚特》等优秀作品，由盲人诗人荷马创作，以说唱形式演唱。可以说这是一种比较早期的声乐形式。随着罗马帝国的不断扩张，欧洲进入了漫长的教会统治时期，历史上称之为“中世纪”。教会教义垄断了几乎所有的意识形态领域，歌唱也成为各种宗教的附属品。古罗马的扩张，不仅带来了疆域的扩张，也给音乐界带来了许多来自亚非欧的杰出艺术家和丰富的音乐文化。他们聚集在罗马，使之成为当时欧洲最大的音乐中心。当时教会唱赞美诗，背诵《奥德赛》，成为最早的合唱形式。在教堂用拉丁语演唱宗教相关内容是一种音乐形式，叫做圣咏。公元590年，教皇格里高利一世选定并修改了《圣经》，即著名的《唱经本》，事实上相当于教会歌唱主义的曲调。圣咏是欧洲声乐艺术的萌芽，它要求庄严肃穆的唱腔来配合教堂的气氛。圣咏虽然有宣叙调和旋律调两种歌曲，但是因为只是单一旋律的音乐，所以很枯燥。随着发展，演唱者对其进行了一些华丽流畅的“再创造”，形成了一种新的更好的演唱方法。

在圣咏音乐盛行的时期，从11世纪开始出现了一些促进音乐艺术发展、丰富声乐艺术内容的音乐形式。当时随着手工业和商业的发展，城市中开始出现宗教音乐的世俗音乐，要求人们用音乐来反映自己的生活和世俗感受。此后，行吟诗人、诗人、民谣歌手等职业歌手相继出现。虽然不能完全摆脱浓厚的宗教色彩，但可以称得上是对宗教音乐的大胆突破。

2.太监歌手促进唱功的发展。13世纪中期，欧洲音乐逐渐突破单音部分，开始进入复调音乐时期。声乐演唱也是多声部合唱，分别以女高音和女低音为角色，男高音为咏叹调旋律，低音为后声部。正如古老的《圣经》格言规定的那样，“妇女在教堂里应该保持沉默”，歌唱中的女性部分被男性部分取代。这些男生就是被阉割的男生歌手，在声乐发展史上被称为“被阉割的歌手”。他们的出现为欧洲声乐艺术的发展做出了巨大贡献，奠定了“美声唱法”的基础，在一定程度上促进了歌剧的产生和发展。他们的全盛时期也带来了美声的黄金时代。早在4世纪，意大利就建立了专门训练儿童发声唱圣歌的歌唱学校。他们遵循古老的格言，禁止妇女在唱诗班唱歌。由于儿童的声音随着年龄的增长音色发生变化，唱不出符合圣咏需要的优美自然的歌曲，于是出现了这种不人道的“太监”现象。他们的声带和喉头不会随着年龄和身体的成熟而改变。太监歌手同时拥有女声的声带和男性的体质，所以不用假声也能发出甜美的女声。虽然她们的声音没有真正的女声那么柔和，但她们华丽、轻盈、明亮的音色和宽广的音域却能让观众兴奋不已。在宦官兴起和盛行的时期，他们不仅排斥女声，甚至在一定程度上几乎抢占了男声在乐坛的地位。太监歌手在欧洲流行了近两个世纪，学校和教育机构专门培养太监。意大利著名的宦官法内利和卡法雷利就是宦官走红的典范，他们的唱功达到了出神入化的程度。毫无疑问，他们把欧洲的声乐水平推上了一个台阶。18世纪末19世纪初，欧洲的封建制度开始动摇，人们要求废除这种不人道的唱歌现象。同时，女性也要求冲破封建枷锁，走上舞台。此外，此时的男声也通过“关”的手法(接近手法)提高了自己的高音演唱能力。因此，18世纪末宦官开始衰落。

3.歌剧和美声唱法的产生美声唱法的发展与歌剧的诞生密切相关。如果说宦官的出现奠定了美声唱法的基础，那么歌剧的诞生和发展则从更符合歌唱艺术发展的文化层面推动了美声唱法的发展，歌剧就是在文艺复兴的巨大影响下诞生的。当时的佩里、卡尔奇尼、蒙特威尔第等作曲家，为了在歌剧创作中模仿希腊悲剧的朗诵曲调，将旋律与歌词、情绪变化、语言起伏紧密结合，在歌剧中对情节的展开起了重大作用。他们突破了传统和保守的束缚，创造了一种宣叙调的演唱形式，使用自然的声音，每个角色都唱自己的段落。为了让朗诵听起来更像古希腊人在广场上的悲剧朗诵，我们不能用微弱的童声和假声，而需要用有足够气息支撑、声音共鸣丰富、饱满、响度大、发音清晰、真实、有穿透力的声音。“这些促使佛罗伦萨团的成员在创作之外还要研究和解决如何演唱的问题，于是他们在前人演唱经验的基础上发展了美声唱法，尤其是维基的十六世纪三幕爱情歌剧《格里高利圣咏》只为清唱剧》(节选自尚嘉祥《安菲帕那索》)。卡尔奇尼提议用响亮而深远的声音唱歌剧；蒙特威尔第将歌剧音乐进一步戏剧化，创作了演唱独奏曲和感染力强的咏叹调，这些都让演唱者感到提高自己的演唱能力和技巧是音乐作品良好表现的基本保证。同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界上第一座歌剧院，使歌剧从原来的皇宫和贵族大厅变成了正规的歌剧院，也为各界观众提供了一个很好的欣赏场所。这样，随着听众层次的扩大和欣赏要求的不断提高，必然要求演唱者开始学习、训练和提高自己的演唱技巧，使自己的演唱达到卡齐尼和蒙特威尔第提出的声音雄壮、深远、富有戏剧性的要求。于是，很多优秀的歌手，凭借着精湛的唱功和华丽的嗓音，穿过庞大的乐队“音墙”，清晰地把自己的歌曲送到了剧院的每一个舞台，征服了观众，使歌唱艺术达到了一个新的高峰。因此可以说，美声唱法随着歌剧得到了极大的发展，是文艺复兴时期音乐艺术中人文主义的表现；它不仅仅是一种演唱技巧和演唱网络，更是某种美学原则和艺术理念的体现。

通过对17世纪欧洲最具影响力的四大歌剧流派佛罗伦萨、威尼斯、罗马和那不勒斯的演唱风格的要求，我们不难看出它们对美声唱法发展的巨大意义。

佛罗伦萨音乐学校：佛罗伦萨歌剧音乐学校有一个团体，突破传统的演唱形式，采用自然声音，男演员扮演男角色，女演员扮演女角色。在贵族的宫廷里，在文人的聚会上，他们都尽情地歌唱。弗朗西斯科卡西尼是当时最早也是最好的女歌手之一。为了使歌声再现古希腊人在广场上的悲壮效果，佛罗伦萨小组的成员们开始探索声音和演唱方法。传统的童声或假声已经不能满足现实的需要，于是提出了一种歌唱要求，强调呼吸饱满，共鸣饱满明亮，吐字清晰生动，音质洪亮深远。他们不仅创作歌剧，还不断学习演唱和发声的技巧。因此，随着《欧洲声乐发展史》、《达芙妮》等表现隋朝的音乐剧的诞生，代表佛罗伦萨音乐风格的演唱要求也应运而生：在自然简单的演唱基础上，甜美、柔和、优雅，优美的表现隋朝的旋律给人以舒适感。

威尼斯音乐学院：17世纪歌剧史上，蒙特威尔第创立了威尼斯歌剧音乐学院，为早期意大利歌剧奠定了基础。如果说佩里和卡尔奇尼是表现隋朝的歌剧音乐的创始人，那么蒙特威尔第就是音乐戏剧的创始人。可以说，歌剧诞生于佛罗伦萨，发展于威尼斯。蒙特威尔第创作的朗诵增加了乐队伴奏的比重，丰富和烘托了独奏的氛围。他的第一部歌剧《犹丽狄契》和佩里、卡奇尼的《奥菲欧》出自同一主题，他写的是戏剧性的悲剧效果。在歌剧创作中，蒙特威尔第首次使用了减七和弦，大胆运用了变调和半音阶，在乐队伴奏中，开创性地运用了弦乐器的拨弦和揉弦技巧。威尼斯音乐学校让歌剧走向社会，让它走上了“花腔”——加花唱法的道路。他们追求华丽的唱功和音效，以精湛的唱功出现在舞台上，引起阵阵狂热。这种戏剧性的朗诵和咏叹调，让美声唱法的演唱更有表现力。

罗马音乐学派：作曲家卡瓦里艾(Cavari Ai)原为佛罗伦萨人，后定居罗马，成为罗马著名作曲家，罗马音乐学派代表人物之一。这种类型的歌剧已经成为罗马音乐学校宗教的附属品。卡瓦里在宗教氛围的包围下，创作了一部歌颂封建道德的寓言歌剧《犹丽蒂契》。以他为代表的罗马乐派的歌剧创作虽然在题材和形式上模仿了佛罗伦萨乐派，唱腔也仅限于宗教风格，但也有自己的特色，在舞台设置、装置、服饰上追求丰富豪华的场面。

那不勒斯学派：17世纪下半叶，意大利歌剧被那不勒斯学派所取代，这也为贝尔坎洛的演唱提供了更广阔的天地。包括a .斯卡拉蒂。斯卡拉蒂是一位才华横溢的作曲家和歌手。他的歌剧具有突破性，使美声唱法走向了一个新的发展阶段，并逐渐形成了那不勒斯的美声风格：注重声音的清晰、优美的音质和华丽的押韵效果。同时为社会培养了多名教授美声唱法的教师。

17、18世纪美声唱法的演唱风格体现在：

1.要求演唱者深刻理解歌词，力求自然质朴，追求高度的艺术表现力。

2.培养声音的审美观念，提高欣赏性，让演唱更符合美声的要求。

3.在演唱中，特别强调气息控制、连音(连续性)和优美的音色。要求演唱中的音色富有变化，情感表达真挚。即兴演唱高难度的多彩音乐片段时，要求严格的音准和节奏，流畅灵活的音乐，轻松、明快、饱满的声像。

随着美声唱法的成熟，其在声音训练中的各种技巧也日趋规范，主要表现在以下六个方面：

1.正确呼吸。美强调呼吸是歌唱的基础，要求“以气持声”，肯定胸腹式呼吸法，提出通过调整呼吸状态来调整歌唱状态的观点。

2.准确启动。人们认为，美声唱法只有开好头，才能获得轻、柔、亮、圆的声音。要完成一次很好的进攻，必须正确呼吸，保持喉咙稳定，集中思想，做好充分的心理准备，积极关闭声带。著名声乐家加西亚专门总结了发音的要领：舌头要平，准确唱到音高，要顺而不滑。

3.声音的连贯性。美强调音质要一致，音位保持不变，声音之间的衔接要流畅均匀，音量控制要自如。

4.声音的灵活性。18世纪提倡花腔技巧和复杂的装饰性唱法。所以美声唱法注重训练声音的灵活性，发展音域，打开喉咙，锻炼声音的控制能力。要练习快音阶、快句子、跳跃，声音要清晰、明亮、准确。

5.声区和共鸣。声区是一个复杂的技术问题，很多专家都有自己的理论观点。但无论音域如何划分，美声在教学中始终坚持统一音域，认为音域是教学的关键，音域和共鸣是相辅相成的。为了达到统一、动人、有穿透力的音色，共鸣的位置必须相对稳定、准确。

6.语音和语言，唱歌要有良好的语言习惯。美要求语言中的每一个元音都要发音清晰准确，歌唱中的元音转换要圆润流畅。只有这样，连奏的原则才能真正体现在吐字和语言上。

可见，美声唱法是一种借鉴并融合了圣歌和太监的高超而华丽的唱法。随着歌剧的创作和发展，它逐渐成熟和完善，成为一个科学的声乐体系。它能在世界声乐史上达到辉煌的顶峰，靠的是那些严格准确的技术要求和训练，靠的是那些动人的声乐作品和优秀歌手的高超技艺。作为美声唱法的演唱方法和风格，很快被欧洲各国的声乐表演和声乐教学所采用和接受，并在发展中逐渐从地域性扩展到国际性，形成了具有演唱风格、发声技巧、美学原则和教学理论的声乐流派。

4.美声发展新时期宦官的没落，部分原因是大歌剧的兴起。欧洲文艺复兴运动促使人们冲破封建主义、神学和禁欲主义的束缚，个性得到解放。对青春的热爱成为人们赞美的主题，资产阶级浪潮对封建制度产生了强烈的冲击。到了19世纪，太监这种不人道的现象逐渐被禁止。18世纪后期的大歌剧题材大多离不开个性解放的要求和爱情题材的叙述，提倡现实主义的创作方法。因为，在这部歌剧的舞台上，宦官作为女角的演唱模式被逐渐改变，建立了男唱女唱作为女角的新的演唱形式，这是欧洲歌剧的一大转折。为了实现男高音唱功的飞跃，跟上不断发展繁荣的歌剧舞台，经过200多年的教学和几代人的长期实践探索，19世纪“蒙面”唱法的出现，使男声获得了稳定的高音，这标志着男高音唱功有了质的飞跃，男演员为主角的局面在歌剧舞台上逐渐形成。可以说19世纪是男声的黄金时代，无论是从唱功的发展、天才歌手的出现还是大量男性角色作品的出现，都证明了男声在歌剧中的重要地位。

以贝里尼、多尼采蒂、罗西尼为代表的意大利歌剧以及法国歌剧都体现了这一时期的声乐演唱水平，被称为声乐史上美声唱法的“全盛时期”。19世纪意大利歌剧作家威尔第充满爱国激情的歌剧问世，标志着歌剧创作的新发展。因为他对咏叹调的成功创作，对声音的要求进一步提高。他不仅要有扎实的唱功，强烈的情感表达，震撼人心的戏剧性，还要抒情流畅，灵活柔和。以马斯卡尼为代表的正宗戏曲唱功达到了一个新的高度。但瓦格纳的歌剧注重乐队的配置，增加了乐队在歌剧中的表演分量。因此，为了获得清晰的演唱效果，演员必须努力提高自己的发声技巧，以放大音量。为了适应不断发展的歌剧舞台，美声唱法在发声技巧上经历了多次飞跃。总之，歌剧的发展促进了声乐的发展。

浪漫主义推动了美声唱法的完善。19世纪初，欧洲文艺出现了一种新的潮流或风格，称为“浪漫主义”或“浪漫主义文学思潮”。浪漫主义形成于法国资产阶级革命之后，拿破仑独裁时期。浪漫主义文艺反映了当时欧洲资产阶级和小资产阶级知识分子的思想感情和对社会生活的态度。浪漫主义文艺不仅仅是一个创作方法和作品风格的问题，更是一个复杂的世界观和艺术观的问题。在音乐创作方面，浪漫主义产生于19世纪20年代初。其创始人是奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家韦伯。(摘自张宏道《灵魂与肉体》)舒伯特的创作有艺术歌曲、交响乐、室内乐等。而韦伯的作品主要是歌剧。浪漫主义作曲家在音乐创作手法上做了很多创新，比如在主题的基调上加强了抒情因素，在器乐作品中贯穿了音乐基调。至于歌曲的创作，歌词多由著名诗人的诗词组成，富有诗意，讲究诗乐无缝的风格和“诗性精神”，要求用音乐充分表达诗歌的内涵。同时强化了伴奏尤其是钢琴伴奏的表现功能和作用，与歌唱形成了塑造艺术形象、推动高潮、揭示歌词意境、表达歌词未尽之意的新关系。随着以舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等作曲家为代表的德奥浪漫主义艺术歌曲的兴起，出现了不同于歌剧咏叹调的艺术歌曲演唱风格。艺术歌曲的演唱虽然也运用了“美声”技术，但由于内容要求不同，其演唱风格和技术要求与歌剧有所不同。一、艺术歌曲的内容多为浪漫主义诗人的文学名作。要表现这些诗歌细腻的情感、浪漫的隋腔和典雅的风格，就要运用轻声、半音、高音渐强渐弱的技法来丰富声乐的表现力。第二，艺术歌曲通常有钢琴伴奏，要求控制声音的音量，这与戏曲唱腔的音响效果很强形成对比。第三，艺术歌曲也有室内乐的性质。他们不善于表达戏剧激情，而以抒情为主。从而形成了音色多样、吐字清晰、音准细致、含蓄柔美的艺术歌曲演唱特点。正如德国当代最著名的艺术歌曲演唱家施瓦尔茨科普(Schvarcz Kopp)高度概括的那样：唱歌剧就像用大画笔作画，而唱艺术歌曲就像画工笔画，需要非常精细的笔来描绘。随着以舒伯特为代表的艺术歌曲的出现，欧洲歌曲创作进入了一个全新的境界，在欧洲声乐发展中占有重要地位，也形成了与歌剧、教堂音乐平分秋色的局面。随着艺术歌曲创作的繁荣，也出现了以演唱会演唱为主的专业歌手。

16世纪意大利歌剧的兴起，奠定和发展了美声学派的声乐技术和演唱风格。19世纪德奥艺术歌曲的兴起和繁荣，不仅产生了不同于歌剧的演唱风格，也造就了许多专门从事艺术歌曲的歌手。由此可见，音乐创作的繁荣与发展，歌曲创作技法的创新与发展，对音乐表演、声乐演唱和音乐教育都有着非常重要的促进作用。

20世纪声乐舞台可谓百花齐放，各领风骚，多种演唱风格和流派并存。他们的比赛带来了多种多样的唱法，也是美声唱法日益科学完善的一种体现。

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